5 de marzo de 2014

15 canciones para entrarle a Mägo de Oz

Por Caín   Publicado el  miércoles, marzo 05, 2014   Rock en Español Sin comentarios


Mägo de Oz es una banda madrileña que combina distintos géneros musicales y que ha sufrido una serie de transformaciones importantes a lo largo de sus 25 años de existencia. Aunque casi siempre se ha desarrollado dentro del ámbito del folk metal, esta banda ha migrado del blues al metal sinfónico, pasando por el hard rock, el heavy metal clásico y el power metal, antes de consagrarse como uno de los exponentes más importantes del metal en español.

Si ya estás familiarizado con Molinos de Viento y Fiesta Pagana, es posible que te interese escuchar más de esta banda española fundada a finales de la década de los 80. Si por otra parte, conoces las canciones antes mencionadas y no te han agradado en lo absoluto, esta lista puede hacerte cambiar de opinión (o no) sobre ese gran proyecto musical que es (y ha sido) Mägo de Oz.

En esta lista he decidido dejar fuera los temas más comerciales, los instrumentales y los covers o tributos a otros grupos, para así poder echar un ojo a lo mejor que puede ofrecer esta banda liderada por Jesús María Gil (mejor conocido como Txus).

Ahora comencemos con los temas:

1. El Santo Grial

Aparece en La Leyenda de la Mancha (1998)

La Leyenda de la Mancha es un disco conceptual basado en la popular novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha (1605), escrita por Miguel de Cervantes hace ya más de tres siglos. En esta novela, el personaje principal, don Alonso Quijano, está obsesionado con las novelas de caballería y dedica sus últimos años a vivir su fantasía: ser un caballero andante. En dichas historias de caballeros, un tópico frecuente era la búsqueda de un objeto mágico conocido como El Santo Grial, que se suponía, era nada más y nada menos que la copa en que había bebido Cristo durante su última cena.

La canción es una poderosa pieza de power metal, aderezada con el violín estilo celta de Carlos Prieto, que engloba muy bien toda la propuesta musical de Mägo de Oz. La estructura es muy dinámica e incluye guitarras hábilmente interpretadas, una voz aguda y épica, que nos recuerda brevemente los mejores días de Helloween o Stratovarius, así como una parte de la Danza Húngara n°5 de Johannes Brahms. Este tema es el mejor para adentrarse a Mägo de Oz, pues muestra a la banda es sus mejores momentos y a Txus en la cima de su capacidad creativa.



2. Jesús de Chamberí

Aparece en Jesús de Chamberí (1996)

El álbum Jesús de Chamberí es una parodia del musical Jesus Christ Superstar (1970) de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, sólo que en vez de hacer sólo una interpretación distinta del rol de los personajes bíblicos, Mägo de Oz transporta la acción al tiempo actual y narra la llegada de Jesucristo a la Tierra en la forma de un mendigo con pinta de rockero que tiene un mensaje importante que dar a la humanidad.

Esta canción representa la inclusión del vocalista José Martínez (José Andrëa) a la alineación de la banda y marca un cambio radical y refrescante con respecto al estilo que Mägo de Oz había estado siguiendo desde su formación. La voz aguda de José da vida al mensaje del polémico Jesús de Chamberí, quien no teme hablar de injusticia y prostitución ante los impávidos testigos que escuchan sus palabras. Esta canción se ciñe más al heavy metal clásico que al power metal de los discos posteriores.


3. Satania

Aparece en Finisterra (2000)

El año 2000 estuvo cargado de connotaciones simbólicas y más de uno pronosticó el fin del mundo a cargo de diversos agentes naturales y sobrenaturales. También fue el año de la tecnofobia, pues el riesgo inminente del Y2K, disparó la paranoia de algunas personas, quienes argumentaban que el depender tanto de las computadoras (que a fin de cuentas eran máquinas, y que podían fallar), sólo podría traernos miseria y perdición como especie.

El primer tema de Finisterra baraja la idea de que, en el futuro, todas las cosas bellas e imponentes de la naturaleza serán destruidas por los seres humanos y sustituidas por burdas imitaciones electrónicas. Este es un tema recurrente en la discografía de Mägo de Oz e inspiró de alguna manera la mítica trilogía Gaia. Con el doble bombo del inicio, Mägo experimenta con un metal más pesado y contundente, que por desgracia, no vuelve a aparecer en posteriores producciones de la banda.



4. Ancha es Castilla

Aparece en La Leyenda de la Mancha (1998)

En la Edad Media, existían artistas callejeros que transmitían historias o moralejas a través de poemas musicalizados y eran conocidos como trovadores y juglares (estos últimos no componían, sólo interpretaban). Estos artistas, a menudo acompañaban sus actuaciones de instrumentos de cuerda como el laúd o la vihuela.

En esta canción, José pretende ser un juglar cantando en verso la moraleja que nos enseña El Quijote: que nunca se es demasiado viejo para perseguir los sueños y que la opinión de otras personas no debe ser impedimento para nadie. Es una balada que carece de instrumentación eléctrica, pero es reemplazada con creces por la guitarra acústica interpretada de manera similar a un laúd.



5. Hasta Que Tu Muerte Nos Separe

Aparece en Jesús de Chamberí (1996)

Antes de escribir canciones sobre la felicidad o las lágrimas amargas de Gaia, Mägo de Oz grabó este tema que denuncia el maltrato hacia la pareja y la violencia doméstica. Lo interesante de este ejercicio, es que está escrito desde una visión caricaturizada del golpeador y no desde el punto de vista de la víctima.

La crítica parte del hecho de que, aunque el matrimonio esté regulado por la iglesia y el estado, no necesariamente existe un verdadero compromiso para tratar a tu cónyuge con amor y respeto. En palabras del mismo Txus: “Puedes acogerte al sagrado matrimonio como Dios manda... y seguir siendo un perfecto hijo de puta”.



6. Polla Dura No Cree En Dios

Aparece en Finisterra (2000)

Este blues pesado relata la historia de un hombre acaudalado que abandona una búsqueda espiritual para sumirse en toda clase de vicios y perversiones. La necesidad de ganar dinero lo convierte en delincuente vagabundo de poca monta, bajo la consigna de “es un trabajo sucio, pero alguien tiene que hacerlo”.

Entre otras cosas, esta canción tiene algunas curiosidades, como un duelo entre la voz de José y el violín de Mohamed, que nos recuerda a las épicas competencias de agudos que protagonizaban en sus primeros años Ian Gillan y Ritchie Blackmore, vocalista y guitarrista de Deep Purple, respectivamente.



7. El Que Quiera Entender Que Entienda

Aparece en Finisterra (2000)

Esta canción emplea una frase de la biblia para tratar de transmitir un mensaje en contra de la homofobia y la discriminación. Aún hoy, me pregunto por qué este tema no causó demasiado revuelo ni fue adoptado por la comunidad gay de España como un llamado a la tolerancia. Es el tipo de letras que diferenciaba a Mägo de Oz del resto de las bandas de metal españolas y que se han ido diluyendo con el paso del tiempo para dar paso a temáticas más “convencionales”.

La introducción de este tema incluye una flauta transversal y hasta un clavecín. Es uno de los temas más ambiciosos, donde se lucen los recién integrados Sergio Cisneros (en los teclados) y Fernando Ponce (en las flautas). Es una de las letras más trabajadas de Txus, y una de las mejores del metal en español.



8. Finisterra

Aparece en Finisterra (2000)

Con este himno apocalíptico, Mägo de Oz da inicio a la tradición de finalizar cada uno de sus discos con una canción anormalmente larga y épica. Con 15 minutos de duración, Finisterra nos cuenta la historia del fin del mundo como lo conocemos, donde todo se desquicia y se altera el orden natural de las cosas.

Esta canción que cuenta con varios artistas invitados, da inicio con un coro inconfundible e hipnótico. En la primera mitad de la canción, podemos escuchar la discusión que tienen Dios y el Diablo con respecto al destino de la humanidad. Finisterra es un tema que invita a reflexionar sobre las injusticias cometidas en nombre del progreso y a las grandes omisiones cometidas por parte de los grupos de poder en todo el mundo.



9. Judas

Aparece en Jesús de Chamberí (1996)

Después de La Mosca Cojonera de Ska-P, Judas es la crítica es la más acertada hacia la figura papal que escuchado. En este tema, Mägo de Oz plantea que no es necesario que uno de los discípulos de Jesús de Chamberí lo traicione, puesto que ya existe una institución especializada en torcer sus enseñanzas y manipular a los feligreses a su conveniencia.

Lo más destacable de este tema, además de la letra, es el solo de violín del final. Esta canción fue escrita durante el papado de Juan Pablo II, pero se escucha asombrosamente vigente, aún casi 20 años (y dos papas) después.



10. El Pacto

Aparece en La Leyenda de la Mancha (1998)

Una de las pocas canciones escritas por José Andrëa para Mägo. La letra nos cuenta la historia de una especie de Fausto moderno que tiene la oportunidad de controlar a un demonio por tiempo limitado, pero a cambio lo pierde todo, incluso la posibilidad de entrar al paraíso.

Es una de las canciones donde los guitarristas Carlos Marín y Francisco Gómez de la Serna logran destacar más, gracias al duelo de requintos casi al final de la pieza. El Pacto era un elemento recurrente en el setlist de sus presentaciones en vivo, durante las giras de La Leyenda de la Mancha y Finisterra.



11. El Líder

Aparece en Gaia: Epílogo (2010)

Gaia: Epílogo es una recopilación de canciones que no alcanzaron lugar en la famosa trilogía de Mägo de Oz. Sorprendentemente, muchas de estas son bastante buenas, y hasta me atrevería a decir que mejores que otras que sí lograron hacer su aparición en Atlantia.

El Líder es una canción “de la vieja escuela” que hubiera encajado perfectamente en Jesús de Chamberí o Finisterra. Es una denuncia a las decisiones de ciertos líderes políticos y religiosos que no dudan en utilizar a la población para perseguir sus maquiavélicos fines, sin importar su sexo o su edad.



12. Aquelarre

Aparece en Gaia II: La Voz Dormida (2005)

La canción más provocativa y polémica de la banda apareció en el álbum Gaia II: La Voz Dormida, y es un canto al libertinaje y la promiscuidad. La letra describe una orgía satánica de esas llenas de excesos que usaban los curas para asustar a sus feligreses. La canción está llena de simbolismos satánicos y funciona como una burla muy efectiva a la moral cristiana y a su anticuado sistema de valores.

Como dato curioso, la banda tenía pensado grabar un videoclip, invitando a una gran cantidad de fans a participar en una puesta en escena del aquelarre, pero por alguna razón (¿presiones de la disquera?), el proyecto nunca se concretó.



13. El Fin del Camino

Aparece en Jesús de Chamberí (1996)

El malaventurado Jesús de Chamberí le dedica una canción post-mortem a su amada, pues descubre que, al no haber concluido su misión, se ha quedado vagando en el limbo. El reclamo que le hace el protagonista a su “padre” es similar al de la canción Gethsemane de Jesus Christ Superstar.

El Epílogo del segundo álbum de Mägo de Oz incluye la provocativa frase “tenemos iglesia, toros y fútbol en la primera”, dando a entender que, sin importar lo que suceda a su alrededor, la sociedad seguirá dormida por el entretenimiento barato y la vacía promesa de una vida post-mortem.



14. Los Renglones Torcidos de Dios

Aparece en Finisterra (2000)

Uno de los mejores temas de Mägo de Oz, o por lo menos, uno de mis favoritos, pues analiza un tema totalmente ajeno a los clásicos desvaríos de Txus: la locura. Un pobre hombre, aquejado de alguna enfermedad mental, pide la ayuda de un ser sobrenatural para acallar a las voces dentro de su cabeza y a cambio le ofrece su lealtad espiritual.

Esta canción, no tan conocida, de Mägo de Oz retoma el título una novela de Torcuato Luca de Tena pero, aunque no comparten la misma trama, ambas giran en torno la premisa de la locura. Es uno de los mejores temas de la banda, una verdadera joya que por una razón u otra, ha quedado fuera de sus conciertos y discos recopilatorios.



15. La Cantata del Diablo

Aparece en Gaia II: La Voz Dormida (2005)

Por último hablaré de su magnus opera, un tema de 21 minutos que marca la cúspide de la trilogía Gaia y el fin de La Voz Dormida. Este tema tiene un poco de todo: partes lentas, partes muy rápidas, solos de guitarra, solos de teclado, solos de violín y coros que parecen tomados de un musical de Broadway. Es la obra más ambiciosa de la banda en la que incluso participan algunos personajes conocidos de la escena musical española como Leo Jiménez (Saratoga), Aurora Beltrán (Tahúres Zurdos) y Víctor García (WarCry).

El tema pronostica la caída de las religiones actuales ante una creencia más cercana al culto de la naturaleza y la unión de todas las naciones en un gran colectivo humano. Al final podemos escuchar una especie de Padre Nuestro modificado para darle a la iglesia el mensaje “tu dios no nos representa”.

Es una obra redonda que, por su duración, en otros tiempos hubiera ocupado todo el lado de un disco de vinil, pero ahora, gracias a la tecnología, podemos escuchar en un solo video de YouTube incrustado en este mismo blog. Disfruten.



9 de febrero de 2014

Newcomers: Nico Vega

Por Caín   Publicado el  domingo, febrero 09, 2014   Nico Vega Sin comentarios

La década del 2010 nos ha inundado de propuestas musicales, desde las más tradicionales hasta las más bizarras, desde las que buscan rescatar distintos instrumentos de la música popular o clásica, hasta los que utilizan solamente samples y beats generados por computadora. Gracias al software de grabación y a los tutoriales en línea, cualquiera puede armar su propio estudio de grabación casero, y gracias al internet, cualquiera puede distribuir su música y cobrar por ella sin necesidad de firmar un contrato discográfico.

De entre este inmenso caos de propuestas musicales erráticas y muchas veces intrascendentes, podemos rescatar a una curiosa banda de Los Angeles que lleva haciendo ruido desde hace un par de años, y que ha logrado cierta popularidad gracias a un par de proyectos que tienen poco o nada que ver con el tipo de música que realizan.

Estoy hablando de Nico Vega, un power trío con un nombre tan peculiar como su música. La primera impresión que pueden llevarse de esta banda es la de un conjunto de folk que interpreta baladas acústicas, pero en cuanto la voz de Aja Volkman comienza a sonar, entendemos que quizá las apariencias pueden engañar hasta al más experimentado.

Esta banda interpreta un rock alternativo cargado de adrenalina y sensualidad que puede saltar de una balada íntima a un rock desenfrenado de un momento a otro. La vocalista Aja Volkman es una exótica mezcla entre Norah Jones, Jim Morrison y Karen O que es capaz de conquistar hasta al escucha más exigente.

El origen



Nico Vega fue fundada en el 2005 por el actor y músico Michael Peña, de ascendencia mexicana, quien invitó al guitarrista Richard Koehler y a la cantante Aja Volkman a unirse a su peculiar proyecto. La banda financió sus primeras grabaciones (una serie de EPs) y algunos videos musicales, intentando dar a conocer su música.

Su búsqueda dio frutos cuando el productor Doc McGhee puso sus ojos sobre ellos y, consiguiendo un contrato con Myspace Records (un proyecto alterno de la red social que tenía como objetivo dar a conocer nuevas propuestas), grabaron su primer álbum homónimo en el 2009.

Poco antes de esto, el baterista y fundador Mike Peña dejó la banda para enfocarse en su carrera como artista y cuidar de su primer hijo, dejando las baquetas a cargo de Dan Epand, quien le dio a la banda el empuje necesario para convertirla en un éxito. Durante un breve periodo de tiempo, se les unió la bajista Jamila Weaver, quien abandonó la banda tan solo un año después de haberse adherido.

Como dato curioso, la cantante Aja Volkman está casada con el vocalista Dan Reynolds, fundador de la banda Imagine Dragons. Resulta gracioso el contraste entre la música más comercial de Reynolds y las composiciones intensas de Nico Vega. Ambos participan en un proyecto paralelo denominado Egyptian.

La música



De su disco debut y los cuatro EPs que ha lanzado la banda, podemos destacar la atrabancada Beast, que cierra el primer álbum y que fue utilizado en el videojuego de disparos BioShock Infinite (2013) de Irrational Games, así como en algunas películas. El solo de percusiones con que concluye esta pieza es impresionante y le da un valor agregado, que se suma a los gritos inspirados de Volkman y las belicosas letras sobre la clase trabajadora de América.


La balada Iron Man (que no tiene nada que ver con la canción homónima de Black Sabbath o el superhéroe de Marvel Cómics, ni sus películas) es uno de los temas mejor logrados, al igual que la agresiva Easier, de su último EP.

Gravity es una de sus primeras composiciones, una canción que va de un pop apacible a unos coros frenéticos y viceversa. Koehler y Epand logran crear una atmósfera interesante, la cual se ve destrozada y revolucionada con la poderosa voz de Volkman. Los repentinos cambios de intensidad están perfectamente cuidados y logran brincar de la tranquilidad a la euforia en unas cuantas notas sin que se sientan fuera de lugar.


Fury Oh Fury  es uno de sus últimos sencillos, que inicia con un verso recitado por una voz en off, del mismo modo en que lo hacía Jim Morrison para sus presentaciones con The Doors. Volkman intercala los gritos desgarradores con un coro pegajoso, mientras que la guitarra nos da un ritmo pulsante y conciso, que deriva en una serie de solos en segundo plano, todo esto último de la mano de Koehler.


¿Qué tienen de especial?



Lo más peculiar de la música de Nico Vega es que puedes encontrarla en el lugar más inesperado. Siendo que las grandes casas productoras dan preferencia a las estrellas pop de moda o al rapero sobrevalorado del año para musicalizar sus películas o videojuegos (una industria en plenitud que se ha convertido en un importante escaparate para la música independiente), es reconfortante escuchar una banda con tanta energía que pueda adaptarse tan fácilmente al rango de estilos y ritmos que domina Nico Vega.

Aja Volkman es una frontwoman destacable que tanto en las presentaciones en vivo como en las grabaciones de estudio logra transmitir esa irreverencia y desfachatez que la caracterizan. Ni siquiera el embarazo y la maternidad la han alejado de los escenarios ni le han impedido seguir en el largo camino hasta la cima que implica el hacer rock n’ roll (citando por supuesto a AC/DC).

Me pregunto si Mike Peña pudo imaginarse las dimensiones que alcanzaría la banda que fundó para luego abandonar, y si podrá aguantar la tentación de volver, aunque sea como músico invitado. La carrera de Nico Vega va en ascenso y no me sorprendería escuchar mucho de ellos en los próximos años.

¿Qué por qué se llaman Nico Vega?


Michael Peña nombró así al proyecto en honor a su madre: Nicolasa Vega, una trabajadora social originaria del pequeño pueblo de Charcas, San Luis Potosí. Ella y su familia se mudaron a la ciudad de Chicago, en el estado de Illinois, persiguiendo el sueño americano y buscando una mejor calidad de vida.

* Como bono extra dejo la canción Bang Bang (My Baby Shot Me Dead), que Nico Vega grabó para el promocional de la serie Bonnie & Clyde (2013) de History Channel. Es un cover de Cher que luego fue regrabado por Nancy Sinatra, hija del famoso intérprete de New York, New York. Quienes tengan televisión de paga seguramente habrán escuchado el tema en repetidas ocasiones.



Nico Vega
Aja Volkman – vocalista
Rich Koehler – guitarra
Dan Epard – batería

Discografía
Chooseyourwordspoorly EP (2006)
No Child Left Behind EP (2007)
Nico Vega (2009)
Fury Oh Fury EP (2013)

Contacto
Sitio Oficial: nicovega.com

6 de febrero de 2014

Music Legends: The Fratellis

Por Caín   Publicado el  jueves, febrero 06, 2014   The Fratellis Sin comentarios
Por allá del 2006, yo aún tenía un radio portátil de pilas (por alguna extraña razón, Wikipedia tiene una foto de ese modelo en particular). Era una cosa bastante curiosa y casi inimaginable en pleno boom del iPod y los reproductores de mp3, pero digamos que era un poco nostálgico (y que no pude costearme un aparato de esos hasta 2 años después) por aquellos días. Mientras caminaba por la calle, sintonizando una estación de radio pública, escuché por primera vez a la banda que voy a describir hoy… y debo decir que desde entonces quedé enganchado con lo que escuché.

The Fratellis no es una banda realmente innovadora, no tiene un sonido único que nadie haya escuchado antes, pero sí tiene una habilidad increíble para componer canciones con el potencial de convertirse en éxitos inmediatos. Las disqueras no han sabido o no han querido explotar el talento de esta banda, pues en 9 años, sus canciones no han logrado el éxito desmesurado que otros músicos (muchos de ellos sin ningún mérito) inflados por la industria han conseguido en unos cuantos días.

Los gángsters de Glasgow (2005)


De izquierda a derecha: Barry, Jon y Mince Fratelli
The Fratellis es un trío de músicos provenientes de la ciudad escocesa de Glasgow, está compuesta por John Lawler, Barry Wallace y Gordon McRory. El nombre The Fratellis es tomado de la popular cinta de Richard Donner, The Goonies (1985), en la cual los miembros de la familia Fratelli actúan como antagonistas. Es curioso que también sea el apellido de la familia materna de Barry, por lo que los 3 miembros adoptaron el apellido Fratelli en una especie de homenaje a su compañero (también puede tratarse de un guiño a los Ramones).

El grupo se formó en el 2005 y comenzó a tocar en lugares pequeños y estaciones de radio locales. El apoyo brindado por sus paisanos fue realmente alentador para la banda y el mismo año firmó con la diquera Fallout Records para producir su primer material, un EP de tan solo tres canciones que salió al año siguiente.

El bebé Fratelli (2006)



The Fratellis EP ya contenía uno de los temas más memorables de la banda: Creepin’ Up the Backstairs, una pieza de rock desenfrenado que nos cuenta una historia un tanto incoherente de cómo un joven roba las llaves del carro de su hermano para ir de fiesta y al regresar a su casa termina arrastrándose por las escaleras.


A mediados de 2006, The Fratellis lanza lo que sería su primer álbum, al que llamarían Costello Music en honor a un local de ensayo que rentaron en Glasgow (Costello también es el nombre artístico del músico Patrick MacManus). El álbum duró tres semanas en el número 2 de las listas de popularidad del Reino Unido, haciendo a la banda acreedora al premio “Mejor Artista Británico Revelación” del 2007.

La música de Costello Music consiste en trece temas con ritmos pegajosos y melodías pop bien construidas, sin embargo, las letras cuentan todo tipo de historias disparatadas sobre chicas que conocen en bares y el ajetreado modo de vida que llevan los jóvenes de Glasgow. Es un álbum que bien podría ser un disco de grandes éxitos, pues no en vano se lanzaron 7 de las 13 pistas como sencillos en Gran Bretaña. Amado por los críticos, alabado por los fans e ignorado por la industria, Costello Music es un excelente álbum que no puede pasar desapercibido.

Flathead fue la canción más exitosa en los Estados Unidos, pues fue utilizada en un comercial para el iPod, aunque no logró pasar del lugar 64 del Billboard. Por su parte, Chelsea Dagger no obtuvó tanta atención hasta un par de años más tarde, cuando 2 equipos de hockey, los Leones de Zurich y los Blackhawks de Chicago, comenzaron a emplearla como su himno de victoria.


El resto de los temas son una combinación de energía y sensibilidad que brindan al escucha una experiencia realmente disfrutable, con lo mejor del espíritu de los tranquilos 60’s y la intensidad de los ruidosos 90’s. Posiblemente haga una reseña en el futuro de este álbum, describiendo la atmósfera y la magia detrás de cada uno de los temas.

El arte de la portada corrió a cargo del artista Sam Hadley, y está basado en las ilustraciones de mujeres sensuales de los años 20’s también conocidas como chicas pin-up. Este mismo concepto se puede apreciar en los videoclips de Chelsea Dagger y Flathead.

“And it's 4 in the morning,
and I'm walking along
Beside the ghost of every drinker
here who's ever done wrong”
-             Whistle For the Choir


Los sinvergüenzas (2008)



 Para su segundo disco, todos esperaban una segunda edición de Costello Music, con las mismas melodías que lo críticos no se habían cansado de comparar con bandas como los Artic Monkeys, The Libertines o Babyshambles; pero Here We Stand logró sorprender a todos, cautivar a algunos y alejar a otros.

Con un sonido completamente renovado, una instrumentación más compleja y letras más elaboradas, The Fratellis demostró que había madurado, con canciones menos comerciales, pero no por ello menos interesantes. La mayoría de las pistas incluyen ahora el sonido de un teclado, motivo por el cual, la banda tuvo que buscar un músico que interpretara este instrumento durante las presentaciones en vivo, aunque no formara parte del grupo oficialmente.

Algunas de las canciones más destacables son Shameless, donde el vocalista expresa su preocupación por no poder seguir el ritmo de vida que exigen sus fans, los cuales en su opinión, son cada vez más jóvenes cada noche. Mistress Mabel es la canción más ambiciosa que jamás haya grabado la banda, musicalmente hablando, pues su instrumentación es excelsa, aunque su letra sea un simple juego sin sentido.


La fabulosa Jesus Stole My Baby fue vetada en Estados Unidos y eliminada en la edición americana del disco, pues se creía que podía resultar ofensiva para algunos y se enfrentaría a la negativa de diversas tiendas de exhibir el álbum en sus anaqueles. Esta canción cuenta la historia de un sujeto, cuya novia se convierte en una cristiana fanática y él le reclama a Jesús el hecho de haberle robado a su pareja. Es un tema aparentemente inocente, pero para la disquera era mejor evitar controversias.

“I've seen a half a dozen ghosts
but I don't believe
I'm a cynical cunt and
I'm much too lazy to change”
-          Look Out Sunshine!


La separación (2009 – 2012)



Aunque el público aún no terminaba de asimilar lo que había pasado con Here We Stand y el cambio radical en la dirección musical del grupo, a finales del 2009 llegaría una noticia que los impresionaría aún más: Los Fratellis se separaban. Los integrantes de la agrupación argumentaron necesitar tiempo para dedicarse a otros proyectos, y no era claro si la banda volvería a reunirse o si este era el adiós definitivo. Jon Fratelli se unió a la banda Codeine Velvet Club y un año más tarde lanzó su primer álbum como solista, mientras que Barry y Mince se unieron a The Twag y Throne o’ Diablo respectivamente.

Sería hasta junio de 2012, cuando la banda se volvió a reunir sobre un escenario en el concierto en beneficio de la fundación Eilidh Brown Memorial. Y fue así, como después de 3 años de ausencia, The Fratellis regresaría como agrupación y se metería al estudio para grabar su tercer álbum, al que titularon We Need Medicine.

Zapatos de Escopeta (2013)



La tercera producción discográfica de The Fratellis es un tanto distinta a sus predecesoras. Se acabaron las melodías pop que tanto gustaron a la crítica, y esta vez, la banda optó por un sonido más maduro, mejor trabajado y sobre todo, más consistente con la personalidad del grupo en escena. En esta ocasión, la banda dejó la parte artística a cargo del ilustrador y músico Dan Potter, haciendo un claro homenaje al arte pop de Roy Liechtenstein.

El cambio es notorio desde la primer nota de Halloween Blues, con sus acordes prestados de Jailhouse Rock y su espontáneo ritmo de rockabilly. Mince Fratelli se luce en la alegre This Old Ghost Town con todo tipo de redobles y malabares en los platillos. Algunos temas nos recuerdan a Costello Music, como Whiskey Saga; mientras que otros traen de vuelta lo mejor de Here We Stand, como Until She Saves My Soul. Algunos más como She’s Not Gone Yet Buy She’s Leaving o This Is Not the End of the World  agregan un sonido nuevo al bagaje musical de la banda.


We Need Medicine es un gran álbum de regreso, que si bien no logra superar a los discos anteriores, reúne todas las características para convertirse en el favorito de muchos fans con su diversidad de sonidos e influencias musicales. Definitivamente vale la pena darle una oportunidad.

Y al final…



Una de las características más notables de The Fratellis es que cada disco es una experiencia diferente, que si bien conserva ciertos elementos muy bien definidos, logra sorprender y abarcar a nuevos públicos con el sonido bien trabajado de cada producción. Se puede apreciar el proceso de madurez de la banda tanto dentro como fuera de los escenarios.

Quizá tenga que pasar un tiempo antes de que los Fratellis sean considerados una leyenda musical, pero por lo pronto, en este blog los incluimos en la sección de Music Legends con la esperanza de que logren cautivar a un público cada vez más amplio. Sin duda alguna, se trata de una de las propuestas más sólidas de la escena indie actual.


The Fratellis
John Lawler (Jon Fratelli) - guitarra, teclado y vocalista
Barry Wallace (Barry Fratelli) – bajo
Gordon McRory (Mince Fratelli) – batería y coros

Discografía
The Fratellis EP (2006)
Costello Music (2006)
Ole Black N’ Blue Eyes EP (2007)
Flathead EP (2007)
Here We Stand (2008)
We Need Medicine (2013)

Contacto
Sitio Oficial: thefratellis.com

2 de febrero de 2014

Newcomers: BabyMetal

Por Caín   Publicado el  domingo, febrero 02, 2014   Newcomers 2 comentarios

¿A quién demonios se le ocurrió esto?



Si yo les hablara de Suzuka Nakamoto o Sakura Gakuin seguramente me mirarían con cara de “yo no comprender”, se rascarían la cabeza y me preguntarían “¿quieeeén?”, pero si además les dijera que existe una banda que mezcla el j-pop, ídolos japonesas preadolescentes y el death metal se mostrarían mucho más extrañados que al principio.

Debo reconocer que mi primera reacción ante este grupo fue de rechazo, me pareció algo sumamente ridículo y hasta jocoso. Pero pasada esa impresión inicial, BabyMetal se vuelve un concepto interesante que nos lleva a preguntarnos qué tipo de combinaciones no se han explorado aún en el universo musical.

¿De dónde salió BabyMetal?



Resulta que en Japón la creación de ídolos juveniles pasó de ser un proceso artesanal para convertirse en una gigantesca industria que escupe cantantes como si fueran dulces. Una de estas fábricas de estrellas desechables con todo y fecha de caducidad (ya pueden empezar a hacer chistes sobre la obsolescencia programada) dio con una de las ideas más innovadoras de los últimos años, que ha ganado un creciente número de fans en todo el mundo, y es la de mezclar el metal con teen idols. “¿Por qué no se nos ocurrió a nosotros?” ya se están preguntando las disqueras de la RIAA y dándose de topes contra la pared.

La agencia de talentos Amuse, Inc. tiene en su catálogo una cantidad sorprendente de jóvenes de todas las edades, todos ellos modelos, cantantes, actores, conductores de TV y lo que se ofrezca (su página web se ve un poco perturbadora, debo admitir). Entre sus servicios está la conformación de grupos de ídolos juveniles (o Idols como los llaman ellos) que participan en diversos proyectos y a los cuales mueven de un lado a otro como si fueran piezas de ajedrez.

En 2008, la compañía hizo un casting para formar un grupo que diera voz a las canciones de un anime llamado Zettai Karen Children. En este trío llamado Karen’s Girls estaba la pequeña Suzuka Nakamoto de tan solo 12 años. El proyecto no duró mucho y las chicas fueron re-asignadas a otro grupo juvenil: Sakura Gakuin, compuesto exclusivamente por niñas de secundaria (o el equivalente en el sistema educativo japonés), que a su vez se sub-dividió en clubs, cada uno con una tendencia musical diferente.

Por aras del destino, en el club de heavy metal terminaron la antes mencionada Sakura Gakuin (ya de 16 años), y sus compañeras Moa Kikuchi y Yui Mizuno (ambas de 14), quienes decidieron formar una banda llamada BabyMetal y comenzar a grabar canciones con este estilo. Ahora ¿cuál fue la diferencia entre las BabyMetal y el resto de chicas de Sakura Gakuin (y todos los artistas fichados por Amuse, Inc.)? Que gracias al poder del internet, su proyecto salió de las fronteras de Japón y se expandió por todo el mundo, llegando a oídos de diversos públicos, entre ellos, fans del heavy metal de verdad con ganas de escuchar algo nuevo.

¿Qué tienen de especial?


La mezcla entre el death metal y el j-pop de BabyMetal es extraña, pues parecen dos conceptos radicalmente opuestos que nunca jamás deberían mezclarse, sin embargo, la atención que puso Amuse en este proyecto, dotando a la banda de músicos talentosos y toda una imaginería metalera creíble, lo convierten en una propuesta llamativa y digna de ser escuchada.

Por ejemplo, el video de Headbangeeeeerrrrr!!!!!, uno de sus primeros sencillos, muestra una producción creativa que nos lleva del estupor a la risa, y luego a la curiosidad. Basta con ver los comentarios en blogs, redes sociales y videos de YouTube para comprender la reacción del público ante esta banda. Nadie se lo puede creer, pero están de acuerdo en que es una propuesta nueva, bien ejecutada y con futuro.



Para comprender mejor el fenómeno, es necesario ver sus presentaciones en vivo: ellas se divierten, el público las adora y la banda que toca tras ellas ejecuta las piezas con una perfección casi matemática. Las chicas se esfuerzan por realizar complicadas coreografías al ritmo de la música y romper la barrera del playback, cantando en vivo buena parte de las letras.



Quizá las chicas de BabyMetal no supieran qué era el metal antes de conformar esta banda, pero la verdad es que este hecho pasa desapercibido cuando se escuchan las bizarras pero irresistibles canciones  del grupo. Ellas mismas aseguran estar creando un nuevo género musical al que denominan kawaii metal (algo así como metal super tierno) que puede prender los focos de varias disqueras en los próximos años.

Con un DVD en vivo y su primer álbum de estudio, estrenado en marzo de 2014, BabyMetal sigue juntando fanáticos y no me extrañaría que comenzaran a salir de gira fuera de Asia muy pronto. ¿Quién sabe? Tal vez las tengamos animando alguna convención latinoamericana de cómics y manga próximamente, ante una multitud de otakus y frikis varios, deseosos de escuchar más de este extraño experimento musical.

Como dato curioso, lograron popularizar un promocional de la nueva película de Metallica: Through The Never (2013), logrando atraer una gran cantidad de atención hacia BabyMetal gracias a los sitios de metal que lo difundieron. Posteriormente, el video en vivo de la canción Gimme Chocolate!!  juntó una cantidad nada despreciable de tres millones de visitas en YouTube. Una buena jugada de sus managers, sin duda.

¿Qué por qué se llaman BabyMetal?


La referencia hacia sus cortas edades es obvia, pero según ellas, también hace referencia al hecho de que están creando un nuevo género musical, un estilo recién nacido sin precedentes que apenas está dando sus primeros pasos en el panorama musical. Hay que reconocer que tienen ingenio.

Como bono extra, pongo un video de Headbanger en vivo:


BabyMetal
Suzuka Nakamoto (Su-Metal) - vocalista
Moa Kikuchi (MoaMetal) -coros
Yui Mizuno (YuiMetal) - coros
Takayoshi Ohmura - guitarra líder
Leda - guitarra rítmica
BOH - bajo
Aoyama Hideki - batería

Discografía
BabyMetal - 2014

Contacto
Sitio Oficial: babymetal.jp
Sitio No Oficial en inglés: babymetal.net

1 de febrero de 2014

Mythical Albums: "Pasaporte Al Infierno" - Luzbel

Por Caín   Publicado el  sábado, febrero 01, 2014   Rock Mexicano Sin comentarios


Pensé mucho en hacer una entrada sobre Luzbel. No estaba seguro qué era lo que quería compartir, si su trayectoria como una de las primeras bandas “serias” de metal en México, su posición como uno de los mejores exponentes del heavy metal mexicano (y del metal en español), la telenovela que desarrollan hasta el día de hoy sus ex integrantes, su nuevo álbum de éxitos o su abrumador regreso a los escenarios de hace 2 años.

Al final me di cuenta de que lo que más me gusta de esta banda es el álbum Pasaporte Al Infierno (1986), que representa la cima de su carrera y de su capacidad creativa. Es un disco que tenía un poco de todo: poderosas melodías, letras irreverentes y una ejecución extraordinaria. El tiempo lo ha revalorado como una pieza única e irrepetible, que además ha inspirado a varias generaciones de músicos hispanohablantes a interpretar metal en su propio idioma.

El séquito del portador de luz




La banda Luzbel surge alrededor de 1983, cuando Raúl Fernández “Greñas” regresa de Inglaterra después de haber tocado con varios músicos de la escena del NWOBHM. Con un demo bajo el brazo, Raúl intenta formar una banda donde pueda dar rienda suelta a su talento como compositor. Y es así, después de muchas vueltas, como se consolida el proyecto de Luzbel, integrado por Greñas en la guitarra, Antonio Morante en el bajo, Alejandro Vázquez en la batería y el talentoso vocalista Arturo Huízar.

Luzbel logra que el proyecto discográfico ComRock (surgido con la finalidad de apoyar al rock en México) les publique su primer EP, bajo el título de Metal Caído del Cielo (1985), con el que se dan a conocer a nivel nacional entre el público metalero de la época. Esta producción no tuvo una gran repercusión comercial, pero sí el éxito suficiente para entusiasmar a la banda (y a ComRock), que se metió al estudio a grabar su segundo material: Pasaporte al Infierno.

Este álbum de tan solo 9 pistas nos lleva de la euforia a la melancolía de la mano de las intrincadas melodías de Greñas y la aguda voz de Huízar. Las letras transcurren entre la furia contestataria de Guerrero Verde y la lujuria poética de Déjate Ser. Luzbel no le teme a los temas lentos ni a la violencia del doble bombo, se mueve con elegancia entre lo etéreo y lo terrenal, pateando a la religión, el ejército, la sociedad conservadora y hasta a uno de sus integrantes en el proceso.

Los salmos del ángel caído


Es casi una obviedad que este álbum arranque con el tema homónimo, el cual plantea un estilo de vida opuesto a los cánones de la sociedad conservadora de la época. Pasaporte Al Infierno podría ser una continuación de la canción El Loco de su producción anterior, pues comparte esa actitud retadora hacia las convenciones morales planteadas por la iglesia católica y exhibe la hipocresía mostrada por buena parte de sus fieles.



Por Piedad es la canción más conocida de la banda. Se trata de una réplica cruda a la figura religiosa principal del cristianismo, cuestionando la validez de su sacrificio y resaltando sus cualidades humanas sobre los atributos divinos que le han dado las escrituras. La voz de Arturo Huízar sobresale en este tema de manera especial, pues logra transmitir acertadamente el dramatismo y la desesperación de sus súplicas hacia la figura crucificada. La habilidad de Morante en el bajo también se hace evidente, pues es el instrumento principal en esta pieza, que alterna un ritmo pulsante con repentinas pausas, acentuando los dramáticos lamentos de Huízar y los elaborados solos de Greñas.

“Hoy puedo decirte que tu muerte ha sido en vano
pues tus hijos se matan con su propia mano
tu obra ha terminado desclávate por favor
perdiste la guerra el horror ya comenzó”
-                Por Piedad

Hijos del Metal es un guiño total al thrash metal, que enaltece los símbolos tradicionales de la música rock y se toma la libertad de exagerarlos un poco. Es curiosa la inclusión de voces con el pitch alterado, que dan la ilusión de tratarse de seres de ultratumba coreando alegremente la frase “so-mos los”.

Para bajar un poco el ritmo, Luzbel interpreta la lenta y relajante balada Déjate Ser, que termina convirtiéndose en un canto al amor apasionado y sin tapujos. Al principio escuchamos la voz de Alejandro Vázquez, con unas notas sorprendentemente agudas que dan paso a la potente y bien entrenada garganta de Arturo Huízar. La guitarra acústica del inicio nos recuerda brevemente a Remember Tomorrow del álbum debut de Iron Maiden.

Lo mejor de la influencia NWOBHM de Greñas aflora en Atrapado en el Metal, el tema de menor duración, pero también el de mayor velocidad. Huízar alterna sus característicos falsettos con un fraseo rápido y conciso.

La temática religiosa regresa con Kirieleison (“Señor, ten piedad de nosotros” en latín), donde Huízar da lo mejor de sí como vocalista y muestra su amplio rango vocal. Es uno de los temas mejor logrados del álbum, con sus vertiginosos cambios de ritmo y sus poderosos solos de guitarra que culminan en el agudo grito de “Kirieleeeeeeeiso-on”.



Luzbel se permite unos guiños al rock psicodélico de los 70’s con Advertencia. En esta poética canción cargada de metáforas, el vocalista Arturo Huízar le lanza un velado mensaje de precaución a su compañero de banda, el líder Raúl Fernández, para que este último no insista en “jugar con fuego”, pues como deja entrever, su paciencia también tenía un límite.

“Pero ten cuidado de no sentarte
en el jardín del dragón,
pues su aliento puede calcinarte”
-          Advertencia

Guerrero Verde es en realidad el tema más polémico del disco, pues pone en la balanza las acciones de las fuerzas armadas y les reclama el hecho de ser matones a sueldo al servicio de una bandera. El riff de esta pieza es inconfundible y los solos de guitarra son de primer nivel, mezclando técnica y pasión en las proporciones correctas.

El disco cierra con el tema instrumental La Última Cena, con cierto gusto neoclásico, que no le pide nada a los primeros trabajos del sueco Yngwie Malmsteen con la banda Alcatrazz. Para ser un músico autodidacta, Raúl Greñas destaca como un intérprete y compositor fascinante que, de haber tenido más difusión, sería mencionado como uno de los principales referentes de la guitarra en el mundo del heavy metal.

A pesar del título y la impactante portada a cargo del pintor mexicano José Manuel Schmill, Pasaporte Al Infierno no es una obra satánica ni anticristiana. De hecho, en varios de los temas propugna un rescate de los valores fundamentales del cristianismo y critica la doble moral que prevalecía en la sociedad mexicana de los años 80.

Problemas en el paraíso



Es justo y necesario decir que Pasaporte al Infierno tiene un terrible defecto que lo aleja de la perfección y provoca cierta angustia al escucha: la espantosa calidad de la grabación. Ya sea porque Luzbel no era una banda conocida que vendía miles de discos al año o porque los pequeños estudios mexicanos no podían competir con las grandes casas disqueras, este disco tiene una mezcla de sonido lamentable. Los instrumentos se funden con la voz, la batería suena falsa, la guitarra parece grabada dentro de una lata y el bajo… pues apenas y se escucha.

En los años posteriores a su lanzamiento, la disquera Warner (que se quedó con todos los derechos de ComRock cuando ésta se fue al carajo en 1988) trató de remasterizar y rescatar algunos de los temas del álbum en posteriores ediciones, pero no había mucho que hacer. Las grabaciones eran simplemente defectuosas de origen y era complicado tratar de mejorar el sonido, aún con las técnicas modernas.

Con el regreso de Luzbel en 2012 y el lanzamiento de Regreso Al Origen (2013), Raúl Fernández se encargó de re-grabar cuatro temas de Pasaporte Al Infierno desde cero, resaltando notablemente el trabajo de los músicos y dándole nueva vida a sus composiciones.

Sin embargo, los fans no se dieron por vencidos, y un seguidor de la banda, conocido por el seudónimo de José Jaguar se dio a la tarea de re-ecualizar el disco completo con resultados bastante interesantes.

Pasaporte Al Infierno (1986)

Tracklist:

  1. Pasaporte Al Infierno (2:57)
  2. Por Piedad (3:14)
  3. Hijos del Metal (3:33)
  4. Déjate Ser (4:13)
  5. Atrapado en el Metal (2:39)
  6. Kirieleison (3:00)
  7. Advertencia (4:19)
  8. Guerrero Verde (4:19)
  9. La Última Cena (4:13)



Luzbel



*Nota: Al parecer el antiguo sitio oficial luzbel.com.mx fue adquirido por algún oportunista que puso un horrible micro-sitio de diseño de interiores en lugar de la página de la banda.

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Acerca del blog

Este blog pretende profundizar en la historia de algunas bandas, álbumes y canciones que, en mi opinión, necesitan una revisión más exhaustiva. Si crees que hay una banda o disco que cumpla con estas características, puedes dejar tus sugerencias en los comentarios.
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