La década del 2010 nos ha inundado de propuestas musicales,
desde las más tradicionales hasta las más bizarras, desde las que buscan
rescatar distintos instrumentos de la música popular o clásica, hasta los que
utilizan solamente samples y beats generados por computadora. Gracias al
software de grabación y a los tutoriales en línea, cualquiera puede armar su
propio estudio de grabación casero, y gracias al internet, cualquiera puede
distribuir su música y cobrar por ella sin necesidad de firmar un contrato
discográfico.
De entre este inmenso caos de propuestas musicales erráticas
y muchas veces intrascendentes, podemos rescatar a una curiosa banda de Los
Angeles que lleva haciendo ruido desde hace un par de años, y que ha logrado
cierta popularidad gracias a un par de proyectos que tienen poco o nada que ver
con el tipo de música que realizan.
Estoy hablando de Nico Vega, un power trío con un nombre tan
peculiar como su música. La primera impresión que pueden llevarse de esta banda
es la de un conjunto de folk que interpreta baladas acústicas, pero en cuanto
la voz de Aja Volkman comienza a sonar, entendemos que quizá las apariencias
pueden engañar hasta al más experimentado.
Esta banda interpreta un rock alternativo cargado de
adrenalina y sensualidad que puede saltar de una balada íntima a un rock
desenfrenado de un momento a otro. La vocalista Aja Volkman es una exótica mezcla
entre Norah Jones, Jim Morrison y Karen O que es capaz de conquistar hasta
al escucha más exigente.
El origen
Nico Vega fue fundada en el 2005 por el actor y músico
Michael Peña, de ascendencia mexicana, quien invitó al guitarrista Richard
Koehler y a la cantante Aja Volkman a unirse a su peculiar proyecto. La banda
financió sus primeras grabaciones (una serie de EPs) y algunos videos
musicales, intentando dar a conocer su música.
Su búsqueda dio frutos cuando el productor Doc McGhee puso
sus ojos sobre ellos y, consiguiendo un contrato con Myspace Records (un
proyecto alterno de la red social que tenía como objetivo dar a conocer nuevas
propuestas), grabaron su primer álbum homónimo en el 2009.
Poco antes de esto, el baterista y fundador Mike Peña dejó
la banda para enfocarse en su carrera como artista y cuidar de su primer hijo,
dejando las baquetas a cargo de Dan Epand, quien le dio a la banda el empuje
necesario para convertirla en un éxito. Durante un breve periodo de tiempo, se les unió la bajista
Jamila Weaver, quien abandonó la banda tan solo un año después de haberse
adherido.
Como dato curioso, la cantante Aja Volkman está casada con
el vocalista Dan Reynolds, fundador de la banda Imagine Dragons. Resulta
gracioso el contraste entre la música más comercial de Reynolds y las composiciones
intensas de Nico Vega. Ambos participan en un proyecto paralelo denominado
Egyptian.
La música
De su disco debut y los cuatro EPs que ha lanzado la banda,
podemos destacar la atrabancada Beast, que cierra el primer álbum y que fue utilizado
en el videojuego de disparos BioShock Infinite (2013) de Irrational Games, así
como en algunas películas. El solo de percusiones con que concluye esta pieza
es impresionante y le da un valor agregado, que se suma a los gritos inspirados
de Volkman y las belicosas letras sobre la clase trabajadora de América.
La balada Iron Man (que no tiene nada que ver con la canción
homónima de Black Sabbath o el superhéroe de Marvel Cómics, ni sus películas)
es uno de los temas mejor logrados, al igual que la agresiva Easier, de su
último EP.
Gravity es una de sus primeras composiciones, una canción
que va de un pop apacible a unos coros frenéticos y viceversa. Koehler y Epand
logran crear una atmósfera interesante, la cual se ve destrozada y revolucionada
con la poderosa voz de Volkman. Los repentinos cambios de intensidad están
perfectamente cuidados y logran brincar de la tranquilidad a la euforia en unas
cuantas notas sin que se sientan fuera de lugar.
Fury Oh Fury es uno de sus últimos sencillos, que inicia con
un verso recitado por una voz en off, del mismo modo en que lo hacía Jim
Morrison para sus presentaciones con The Doors. Volkman intercala los gritos
desgarradores con un coro pegajoso, mientras que la guitarra nos da un ritmo
pulsante y conciso, que deriva en una serie de solos en segundo plano, todo
esto último de la mano de Koehler.
¿Qué tienen de especial?
Lo más peculiar de la música de Nico Vega es que puedes
encontrarla en el lugar más inesperado. Siendo que las grandes casas
productoras dan preferencia a las estrellas pop de moda o al rapero
sobrevalorado del año para musicalizar sus películas o videojuegos (una
industria en plenitud que se ha convertido en un importante escaparate para la
música independiente), es reconfortante escuchar una banda con tanta energía
que pueda adaptarse tan fácilmente al rango de estilos y ritmos que domina Nico
Vega.
Aja Volkman es una frontwoman destacable que tanto en las presentaciones
en vivo como en las grabaciones de estudio logra transmitir esa irreverencia y
desfachatez que la caracterizan. Ni siquiera el embarazo y la maternidad la han
alejado de los escenarios ni le han impedido seguir en el largo camino hasta la
cima que implica el hacer rock n’ roll (citando por supuesto a AC/DC).
Me pregunto si Mike Peña pudo imaginarse las dimensiones que
alcanzaría la banda que fundó para luego abandonar, y si podrá aguantar la
tentación de volver, aunque sea como músico invitado. La carrera de Nico Vega
va en ascenso y no me sorprendería escuchar mucho de ellos en los próximos
años.
¿Qué por qué se llaman Nico Vega?
Michael Peña nombró así al proyecto en honor a su madre:
Nicolasa Vega, una trabajadora social originaria del pequeño pueblo de Charcas,
San Luis Potosí. Ella y su familia se mudaron a la ciudad de Chicago, en el
estado de Illinois, persiguiendo el sueño americano y buscando una mejor
calidad de vida.
* Como bono extra dejo la canción Bang Bang (My Baby Shot Me
Dead), que Nico Vega grabó para el promocional de la serie Bonnie & Clyde (2013) de History Channel. Es un cover de Cher que luego fue regrabado por Nancy
Sinatra, hija del famoso intérprete de New York, New York. Quienes tengan
televisión de paga seguramente habrán escuchado el tema en repetidas ocasiones.
Si yo les hablara de Suzuka Nakamoto o Sakura Gakuin
seguramente me mirarían con cara de “yo no comprender”, se rascarían la cabeza
y me preguntarían “¿quieeeén?”, pero si además les dijera que existe una banda
que mezcla el j-pop, ídolos japonesas preadolescentes y el death metal se
mostrarían mucho más extrañados que al principio.
Debo reconocer que mi primera reacción ante este grupo fue
de rechazo, me pareció algo sumamente ridículo y hasta jocoso. Pero pasada esa
impresión inicial, BabyMetal se vuelve un concepto interesante que nos lleva a
preguntarnos qué tipo de combinaciones no se han explorado aún en el universo
musical.
¿De dónde salió BabyMetal?
Resulta que en Japón la creación de ídolos juveniles pasó de
ser un proceso artesanal para convertirse en una gigantesca industria que
escupe cantantes como si fueran dulces. Una de estas fábricas de estrellas
desechables con todo y fecha de caducidad (ya pueden empezar a hacer chistes
sobre la obsolescencia programada) dio con una de las ideas más innovadoras de
los últimos años, que ha ganado un creciente número de fans en todo el mundo, y
es la de mezclar el metal con teen idols. “¿Por qué no se nos ocurrió a
nosotros?” ya se están preguntando las disqueras de la RIAA y dándose de topes contra
la pared.
La agencia de talentos Amuse, Inc. tiene en su catálogo una
cantidad sorprendente de jóvenes de todas las edades, todos ellos modelos,
cantantes, actores, conductores de TV y lo que se ofrezca (su página web se ve
un poco perturbadora, debo admitir). Entre sus servicios está la conformación
de grupos de ídolos juveniles (o Idols como los llaman ellos) que participan en
diversos proyectos y a los cuales mueven de un lado a otro como si fueran piezas
de ajedrez.
En 2008, la compañía hizo un casting para formar un grupo
que diera voz a las canciones de un anime llamado Zettai Karen Children. En
este trío llamado Karen’s Girls estaba la pequeña Suzuka Nakamoto de tan solo
12 años. El proyecto no duró mucho y las chicas fueron re-asignadas a otro
grupo juvenil: Sakura Gakuin, compuesto exclusivamente por niñas de secundaria
(o el equivalente en el sistema educativo japonés), que a su vez se sub-dividió
en clubs, cada uno con una tendencia musical diferente.
Por aras del destino, en el club de heavy metal terminaron la
antes mencionada Sakura Gakuin (ya de 16 años), y sus compañeras Moa Kikuchi y Yui
Mizuno (ambas de 14), quienes decidieron formar una banda llamada BabyMetal y
comenzar a grabar canciones con este estilo. Ahora ¿cuál fue la diferencia
entre las BabyMetal y el resto de chicas de Sakura Gakuin (y todos los artistas
fichados por Amuse, Inc.)? Que gracias al poder del internet, su proyecto salió
de las fronteras de Japón y se expandió por todo el mundo, llegando a oídos de
diversos públicos, entre ellos, fans del heavy metal de verdad con ganas de
escuchar algo nuevo.
¿Qué tienen de especial?
La mezcla entre el death metal y el j-pop de BabyMetal es
extraña, pues parecen dos conceptos radicalmente opuestos que nunca jamás
deberían mezclarse, sin embargo, la atención que puso Amuse en este proyecto,
dotando a la banda de músicos talentosos y toda una imaginería metalera creíble, lo convierten
en una propuesta llamativa y digna de ser escuchada.
Por ejemplo, el video de Headbangeeeeerrrrr!!!!!, uno de sus
primeros sencillos, muestra una producción creativa que nos lleva del estupor a
la risa, y luego a la curiosidad. Basta con ver los comentarios en blogs, redes
sociales y videos de YouTube para comprender la reacción del público ante esta
banda. Nadie se lo puede creer, pero están de acuerdo en que es una propuesta nueva,
bien ejecutada y con futuro.
Para comprender mejor el fenómeno, es necesario ver sus
presentaciones en vivo: ellas se divierten, el público las adora y la banda que
toca tras ellas ejecuta las piezas con una perfección casi matemática. Las
chicas se esfuerzan por realizar complicadas coreografías al ritmo de la música
y romper la barrera del playback, cantando en vivo buena parte de las letras.
Quizá las chicas de BabyMetal no supieran qué era el metal
antes de conformar esta banda, pero la verdad es que este hecho pasa
desapercibido cuando se escuchan las bizarras pero irresistibles canciones del grupo. Ellas mismas aseguran estar creando
un nuevo género musical al que denominan kawaii metal (algo así como metal
super tierno) que puede prender los focos de varias disqueras en los próximos
años.
Con un DVD en vivo y su primer álbum de estudio, estrenado en marzo de 2014, BabyMetal sigue juntando fanáticos y no me extrañaría que
comenzaran a salir de gira fuera de Asia muy pronto. ¿Quién sabe? Tal vez las
tengamos animando alguna convención latinoamericana de cómics y manga próximamente,
ante una multitud de otakus y frikis varios, deseosos de escuchar más de este
extraño experimento musical.
Como dato curioso, lograron popularizar un promocional de la
nueva película de Metallica: Through The Never (2013), logrando atraer una gran
cantidad de atención hacia BabyMetal gracias a los sitios de metal que lo
difundieron. Posteriormente, el video en vivo de la canción Gimme Chocolate!! juntó una cantidad nada despreciable de tres millones de visitas en YouTube. Una buena jugada de sus managers, sin duda.
¿Qué por qué se llaman BabyMetal?
La referencia hacia sus cortas edades es obvia, pero según
ellas, también hace referencia al hecho de que están creando un nuevo género
musical, un estilo recién nacido sin precedentes que apenas está dando sus
primeros pasos en el panorama musical. Hay que reconocer que tienen ingenio.
Como bono extra, pongo un video de Headbanger en vivo:
Esta banda debería formar parte de la serie Newcomers, pero
la verdad es que es complicado encontrar cualquier tipo de información sobre
ellos en Internet y básicamente en cualquier otra parte. En vez de aprovechar
las herramientas de comunicación masiva, Slingblade da la sensación de estarse
ocultando. Los datos relacionados con ellos son escasos y es necesario indagar
un rato para hallarlos, y de paso usar el traductor de vez en cuando para no
perderse la información que está en sueco.
Su único trabajo es un disco brillante, un álbum conceptual
que cuenta una sórdida historia a través de 10 temas cargados de energía y
pasión. La vida de Molly Black es digna de una novela de Stephen King (de hecho
tiene algunas similitudes con Carrie), pues transforma una situación cotidiana en
una experiencia totalmente sobrenatural.
Esta banda de Estocolmo, Suecia nace en el 2009, con el
veterano guitarrista Tobbe Ander a la cabeza y la atractiva Kristina Karlsson
en la parte vocal. Su estilo es más bien un homenaje a la época dorada del
metal conocida como la NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), un movimiento que
fue la cuna de la mayoría de las bandas legendarias actuales.
La portada y el logo de la banda corren a cargo del artista
gráfico Erik Rovanpera, que ha colaborado con bandas importantes como Candlemass.
Los temas
Nature of Evil es la introducción a esta tragedia, que
cuenta, desde la perspectiva de una de las víctimas, el horror al que está a
punto de ser sometido. Al final de la canción, el chico angustiado reflexiona: “¿Habremos
llegado demasiado lejos?”
Back To Class marca el inicio de la historia, donde los
compañeros de clase de la desdichada Molly la acosan incesantemente y la hacen
la vida imposible. Ella resignada, regresa de las vacaciones de verano con el
deseo oculto de hacerles pagar por años y años de maltrato. El trabajo en las
guitarras es impecable y la estructura de la canción es realmente interesante.
Un arpegio da inicio a Tie Her To the Cross. La historia
continúa con Molly despertando de una pesadilla en medio de la noche. La chica
de tan solo 17 años corre horrorizada a la iglesia, donde sus compañeros la
esperan para jugarle una espantosa broma: la atarán a la cruz, esperando que su
padre, el reverendo, la encuentre allí la mañana siguiente.
El miedo y la desesperación de Molly atraen a un oscuro ente
que, prometiéndole disolver sus tribulaciones, se interna en su alma y logra
poseer su cuerpo con un único objetivo: la venganza. The Demon es un tema que
recuerda a los mejores trabajos de bandas como Iron Maiden o Diamond Head.
La hija del reverendo renace como un ser lleno de odio, que
armado de una afilada cuchilla comienza a ajusticiar a sus desconsiderados
victimarios, bajo la consigna: “Pronto la pequeña Molly saldrá a jugar”. Mientras
tanto, su padre nota su repentina desaparición y le pide a Dios que la regrese
a casa. Reverend’s Daughter es el tema central del álbum, que marca la
transformación de una adolescente víctima de abuso en una desalmada máquina de
matar.
Un reporte policial menciona la misteriosa desaparición de 5
jóvenes y la presencia de un descuartizador suelto en el pueblo. Las
autoridades mandan un desafiante mensaje al asesino, pero tiemblan con sólo
pensar en encontrarse con él. Además, el detective a cargo de la investigación
hace un impactante descubrimiento: la responsable de los asesinatos es nada más
y nada menos que la hija del reverendo. El riff de Slasher On the Loose es el
mejor logrado del disco, creando una atmósfera de acción característica de
cualquier persecución policíaca.
En Off the Hook podemos escuchar cómo Molly sentencia a una
de sus víctimas a morir como castigo por todos esos años de terror y desprecio.
Al mismo tiempo, el demonio le anuncia a la joven que su misión está a punto de
concluir.
El tema más largo del álbum es This Dream Will End, con sus
7 minutos y medio de duración, se trata nada menos que de las últimas palabras
de Molly, una vez que el demonio ha abandonado su cuerpo. Ella regresa a casa,
sabiendo que su alma está condenada, pero satisfecha de haber consumado su
venganza.
La policía llega a la
mansión del reverendo, y rodeando la casa, le exigen que se entregue. Ella sale
con el arma homicida aún en su mano, pero uno de los agentes de la ley se
adelanta y presiona el gatillo. Molly yace tirada en el suelo de la casa que le
vio nacer. Molly’s Death es un tema enérgico que logra transmitir la adrenalina
de la redada a la mansión del reverendo y el disparo que priva de la vida a la
protagonista.
El epílogo de esta historia Give Back What You Borrow nos
deja con una moraleja interesante: “No existe ningún bien que se pague con
penas”.
Y al final
Pocas veces se ha escuchado un disco conceptual del heavy
metal de la vieja escuela, que además cuente una historia única desde diversos
puntos de vista y le dé al escucha algo más que un simple álbum de metal.
Es por todo lo anterior que The Unpredicted Deeds of Molly
Black se convirtió en uno de mis discos favoritos y en el primero de los
Mythical Albums.
Sobre el futuro de Slingblade sabemos muy poco, Karlsson ha
dicho que la banda está trabajando en una secuela y que de momento se están presentando
en diversos espacios dentro de Suecia. Esperemos que alguna disquera se anime a
impulsar esta banda y les permita contar la historia de Molly a públicos más
diversos.
El rock no está muerto, pero Sara sí y desde hace rato
huele a espíritu adolescente.
Durante los últimos 10 años hemos escuchado a muchas bandas
que suenan exactamente igual, vocalistas masculinos con voz de puberto y
mujeres que intentan sonar a Shirley Manson. Por eso cuando escuché por primera
vez a Dead Sara, mis botas se cayeron y mis ojos se abrieron de par en par. No
podía creer que hubiera tanta energía en una banda actual, con un nivel de
composición e interpretación decentes y una entrega gigantesca en el escenario.
¿Qué es Dead Sara?
Es una banda de cuatro integrantes proveniente de Los
Angeles, California. Está compuesta por la guitarrista Siouxsie Medley (nació
con nombre de rockstar), la impresionante vocalista Emily Armstrong, el
baterista Sean Friday y el bajista Chris Null.
Resulta que Siouxsie y Emily se conocieron a través de una
amiga en común cuando ambas rondaban los 15 años y después de un tiempo,
comenzaron a componer juntas. Las dos compartían un interés por el rock clásico
y tenían una formación musical autodidacta, pero relativamente sólida.
Durante un tiempo, Emily adoptó el bajo como instrumento, dejándole
la guitarra a Siouxsie y la batería a un amigo suyo llamdo Aaron Bellcastro.
Fue con esta alineación que comenzaron a salir de gira y grabaron su primer
material discográfico, un EP que lleva por título The Airport Sessions. El
disco muestra la energía del dueto integrado por Armstrong y Medley, así como su
necesidad por desmarcarse de las bandas contemporáneas y afianzar sus raíces en
el hard rock clásico.
Pero no fue hasta un año después que la banda consolidaría
su sonido definitivo con la inclusión del bajista Chris Null y el baterista
Sean Friday, ambos ex compañeros de banda de Sonny Moore (mejor conocido como
Skrillex). Friday y Null crean una base rítmica sólida, sobre la cual se
colocan los riffs y solos de Medley, así como la potente voz de Armstrong,
dando vida a uno de los proyectos más interesantes de los últimos años.
La carta de presentación
Su álbum debut Dead Sara (2012) sigue acumulando fans
conforme pasan los meses, y es que es un golpe de aire fresco para el hard rock
en su variante menos underground. El disco se puede dividir en canciones enérgicas
y temas lentos.
Entre los poderosos tenemos a We Are What You Say,
Weatherman, I Say You Were Lucky, Monumental Holiday y Timed Blues. Estos temas
de hard rock salpicados de grunge, punk, blues y hasta heavy metal le dan mucho
dinamismo al disco y nos dejan con ganas de escuchar mucho más de esta banda.
Por el lado de los temas a tiempo mesurado tenemos a
Whispers And Ashes, Dear Love, Face To Face y la extremadamente inspirada Sorry
For It All. Estas composiciones reflejan el entrenamiento de Armstrong en el
folk y nos muestran una faceta distinta de Medley y compañía.
"You gotta sink to learn to swim
These are the rules that they teach
And they want you to live"
- We Are What You Say
La rola obligada
La mejor forma de engancharse a Dead Sara es escuchar su
primer sencillo Weatherman. Es una descarga total de adrenalina desde las
primeras notas que escupe la guitarra de Medley sabemos que estamos ante algo
distinto, pero cuando la voz rasposa y potente de Armstrong comienza a entonar
el primer verso, entiendes que vas a amar esta canción de ahora en adelante.
Hace mucho que no escuchaba un tema con tanta agresividad y
al mismo tiempo, un control tan preciso de las notas. Weatherman no trata de la
tristeza de un adolescente incomprendido gritándole al mundo que es diferente,
como muchas canciones que se han hecho populares en la última década.
Weatherman, en palabras de su autora: “La cosa viene a querer decir que tienes
que crear tu propio futuro mediante lo que haces hoy, que afectará en el
mañana. Tuve que pensar en ello en esos términos – simplemente la sociedad.”
Al comprender que Dead Sara no está aquí para caerte bien ni
para mandar besos y agradecimientos al bello público que hace esto posible,
puedes disfrutar un poco más de su música como una propuesta honesta que no necesita demasiada propaganda por parte de las disqueras.
¿Qué los hace especiales?
En primera la composición de los temas. Es común que cuando
escuchas una banda nueva, al principio todas las canciones te suenen igual y te
preguntes si en qué momento terminó la anterior. Con Dead Sara no sucede eso,
cada canción tiene algo que la identifica y la separa del resto del disco.
Lo segundo es la vocalista Emily Armstrong, que es una
extraña combinación entre Janis Joplin, Kurt Cobain, Jim Morrison y Cherry
Curie. Armstrong tiene un rango vocal desgarrador y no intenta guardar su voz
para el estudio, sino que da el máximo en los conciertos sin temor a quedarse
afónica. Otra cosa sorprendente es su entrega en el escenario: no se queda
quieta, brinca, baila, suda, se tira al suelo y se cuelga del micrófono. La
actitud de la vocalista es la que transmite la energía al público y no los
efectos especiales ni las proyecciones en las pantallas gigantes.
¿Cómo se ha hecho publicidad Dead Sara?
La verdad es que otros lo han hecho por ellos, y no se trata
de una gran casa disquera que le pague a las estaciones para transmitir las
canciones de la banda, sino que varios músicos han visto potencial en ellos y
no dudan en promocionarlos.
Yo los conocí gracias al canal de YouTube de una baterista israelí que graba covers de canciones conocidas. Nunca antes había escuchado
mencionar a Dead Sara, pero me hizo querer conocer más acerca de la banda que
tocaba la pista de fondo en el video.
Emily Armstrong ha colaborado con Courtney Love y The Offspring, y por si fuera poco, es de las últimas personas que estuvieron con
Ray Manzarek (The Doors) sobre un escenario. Ha recibido buenos comentarios por
parte de Grace Slick (The Jefferson Airplane) y Dave Grohl (Foo Fighters,
Nirvana). Como dato adicional, la música de Dead Sara ya ha aparecido en un par
de videojuegos y una serie de televisión. Su carrera va en ascenso y por eso
inauguran esta sección de Newcomers.
¿Qué por qué se llaman Dead Sara?
Es una historia graciosa. En realidad se trata de un caso de
letras mal escuchadas o misheard lyrics. A Siouxsie y Emily les gustaba la
canción Sara de Fleetwood Mac, pero en vez de cantar “He said "Sara,
you're the poet in my heart”, ellas entendían “Dead Sara, you’re the poet in my
heart”. Este chiste local se transformó a la larga en el nombre de la banda y
causa impacto, porque parece tener un significado mucho más profundo que un
caso de mala pronunciación por parte de Stevie Nicks.
Este olvidado blog se renueva con una serie de artículos
sobre bandas, canciones y álbumes sobre los que me gustaría escribir, y ¿quién
podría representar mejor el aura musical-demoniaca que intenta transmitir este
noble espacio, que la banda que voy a describir a continuación?
Ghost es una banda que ha causado sensación durante los
últimos 3 años. Es posible que se trate de las túnicas con las que van
ataviados sus integrantes, el contenido abiertamente ocultista de sus letras,
el carisma del Papa Emeritus o simplemente su música densa y a la vez pegajosa
lo que ha cautivado a públicos de todas las edades, en prácticamente todo el
mundo.
Esta banda sueca, nacida en la ciudad sueca de Linköping en
el 2008, ha desatado diversas reacciones, principalmente
por parte de la comunidad metalera. Su música entremezcla lo mejor del rock
psicodélico de los 70’s y los sonidos de ultratumba del Doom Metal,
aderezándolo con letras acerca de Satanás, el infierno, el Anticristo y veladas
burlas a la religión cristiana. Amado por algunos, odiado por otros, no cabe
duda de que Ghost es una de las bandas más representativas de la década.
El clero
Más que un espectáculo, Ghost es todo un concepto, donde se
cuida hasta el más mínimo detalle para hacer creíble el aura de misticismo e
irreverencia. Sus integrantes aparecen cubiertos de pies a cabeza, con una
túnica negra que se asemeja a la de algunas órdenes religiosas. Además, todos
llevan una máscara que protege su identidad y al mismo tiempo, dota al grupo de
una inusual uniformidad. Pero los disfraces no desaparecen en el escenario,
sino que los siguen a los camerinos, las entrevistas y sus diversos espacios en
Internet. No hay un solo lugar donde estos músicos empleen sus nombres reales o
muestren siquiera su rostro. Todos se refieren a sí mismos como “Nameless
Ghouls”, que se podría traducir como “espectros sin nombre” y no hay una jerarquía
específica dentro del clero que logre diferenciarlos.
La única marca que distingue a esta banda de seis
integrantes son unos crípticos símbolos:
Quizá a algunos les recuerden a las runas que los británicos
Led Zeppelin utilizaron en el arte de sus discos durante algún tiempo.
El Papa Emeritus
Ninguna banda está completa sin un frontman, es decir, la
persona que da la cara y representa a la banda, además de interactuar con el
público y dar voz a las letras que acompañan a sus composiciones. En el caso de
Ghost, esta figura es cubierta por un personaje denominado Papa Emeritus (el
Papa que renunció), que representa al sumo sacerdote de este peculiar culto
musical. El Papa Emeritus se viste de manera similar al pontífice del Vaticano,
con algunas marcadas diferencias: su vestimenta es negra, usa una cruz
invertida y en vez de mostrar un rostro limpio y aseado, usa un maquillaje que recuerda
a una calavera.
Aunque este tipo de maquillaje ha sido utilizado ampliamente
en el ámbito del metal, desde los revolucionarios Kiss hasta King Diamond,
pasando por prácticamente todas las bandas de Black Metal noruego, el rostro
del Papa Emeritus sólo es un componente más que resalta su imponente figura.
Cuando entran los músicos al escenario, todos esperan pacientemente la entrada
del Papa Emeritus, y sólo hasta que este ha terminado los rituales de iniciación,
el show puede comenzar propiamente.
Para darle un toque más interesante al asunto, el clero
elige a un nuevo Papa antes de lanzar un álbum, de este modo, en Opus Eponymus
podemos escuchar al Papa Emeritus I y en Infestissumam a su sucesor, el Papa
Emeritus II. La banda incluso tuvo la delicadeza de hacer una ceremonia de sucesión en vivo, durante uno de sus conciertos en su natal Linköping.
Ghost, el álbum (2010)
El primer material de estudio de Ghost es un álbum de apenas
38 minutos que define la esencia del grupo. Con tan solo 9 temas, este disco contiene
la mayor cantidad de blasfemias y alabanzas a Satanás jamás grabadas sin voces
guturales por ninguna otra banda. Parte del encanto de Ghost es precisamente
poder comprender las letras, asimilarlas y corearlas como si se trataran de un
inocente tema de The Beach Boys. Esta obra homónima (Opus Eponymous en latin)
arranca con un tema instrumental (Deus Culpa) y cierra con otro (Genesis), el
primero es solo una introducción al disco y el último cierra con una pieza
magistral interpretada con guitarra acústica, digna de un recital de música
clásica.
En el medio podemos encontrar la fabulosa Con Clavi Con Dio
(Reunidos con Dios), donde hacen una declaración de principios como seguidores
del enemigo de la divinidad cristiana, dando paso al ritual de iniciación de
esta nueva experiencia musical. Ritual es toda una colección de riffs clásicos
y alterna el sonido de una guitarra distorsionada con una más limpia, dando
como resultado el tema más hipnótico y quizá también el más conocido de la
banda.
Por su parte, Elizabeth es una oda a la sangrienta condesa
húngara Erzsébet Báthory, un personaje histórico que por sus malévolas
acciones, como dice la letra, es considerada una de ellos. Stand by Him nos
menciona algunas de las ventajas de estar del lado del maligno y Satan Prayer
no necesita ninguna descripción. Death Knell hace un recuento de los símbolos satánicos
y Prime Mover cuenta la historia de la mujer elegida para dar a luz al
Anticristo. La batería de Death Knell es memorable, al igual que la línea de
bajo que la acompaña.
Esta obra sólo podía estar completa con la soberbia portada,
que hace un homenaje al poster de la adaptación cinematográfica de Salem’s Lot,
la segunda novela de Stephen King, que a su vez, es una especie de secuela del
clásico de Bram Stoker, Drácula. Este disco confundió un poco a los críticos,
pues se ve como Black Metal, suena como Doom Metal, pero se siente como Rock
Clásico.
“On this night of ritual
Invoking our master
To procreate the unholy bastard”
-Ritual
El más hostil (2013)
El primer trabajo de la banda creó una gran expectativa, y
cuando se anunció el lanzamiento de su segunda revelación, los fans no podían
estar más ansiosos. El concepto en este disco es reforzado por un cambio
(simbólico) de vocalista y un aumento en la imaginería satánica. La portada de
Infestissumam (el más hostil) es también un homenaje al poster de una película,
esta vez la de Amadeus (1984) de Milos Forman, la adaptación cinematográfica de
la obra teatral homónima.
Ahora cada canción va acompañada por un dibujo del artista
polaco Zbigniew Bielak II, que ilustra el contenido de las letras y nos da una
experiencia audiovisual más completa. La banda también lanzó su primer
videoclip para el tema Secular Haze e hizo un homenaje a distintas películas de
terror con el promocional de Year Zero.
El álbum abre con la pieza Infestissumam, compuesta por
cantos gregorianos que nos da la sensación de ser una especie de Padre Nuestro
invertido (similar al Ave Satani de la película The Omen). Esta se conecta con
Per Aspera Ad Inferi (A través de la áspera tumba) que anuncia la presencia del
señor oscuro y toda su corte. Secular Haze es el tema más pop de la banda que,
sin perder el estilo, nos enlaza a través de una melodía circense con el Gigoló
del Armagedón (Jigolo Har Meggido). Estas canciones dan una mayor presencia al
teclado y a los coros repetitivos. La primera mitad del disco finaliza con
Ghuleh /Zombie Queen, una obra maestra de 7 minutos y medio que pasa de una
tranquila balada a una marcha demencial y psicodélica en honor a la reina
zombie. Por mucho, mi tema favorito del álbum.
Year Zero retoma el estilo de Infestissumam con los nombres
de siete demonios entonados por voces espectrales. Es un tema melancólico y a
la vez eufórico que nos cuenta cómo el Anticristo gobernará sobre la intrascendente
especie humana y su protector celestial. Body And Blood e Idolatrine se burlan
abiertamente de la religión cristiana y sus fantásticas historias para asustar
a los niños. Depth of Satan’s Eyes nos recuerda mucho al sonido de Opus
Eponymus y Monstrance Clock es algo así como una torcida canción de cuna para
el hijo de Lucifer. La música de este segundo disco es menos pesada, pero las
letras son mucho más oscuras y el espectáculo es más intenso, sin duda una
evolución interesante.
“The ancient serpent deceiver
To masses standing in awe
He will ascend to the heavens
Above the stars of god.”
-Year Zero
Ghost también grabó algunos covers, comenzando por Here Come
the Sun de los míticos The Beatles y I’m A Marionette de sus paisanos ABBA. La
banda se entusiasmó tanto que a mediados de 2013 lanzó un EP con 3 covers más
bajo el título de If You Have Ghost y una portada que recrea una escena de la
película de 1922, Nosferatu. Estos covers suenan inusualmente oscuros y
depresivos, especialmente tratándose de canciones que se grabaron originalmente
como temas comerciales.
El hombre detrás de la máscara
Mucho se ha especulado sobre la identidad de los miembros de
Ghost, pero por lo que la propia banda ha dejado entrever en diversas
entrevistas, todos son músicos experimentados que pertenecieron en algún
momento a reconocidos grupos dentro de la escena del metal sueco. En el
videoclip de la canción Year Zero, aparecen 5 mujeres que según el grupo,
coinciden en edad con los miembros de la banda, dando a entender que el rango
de edades entre ellos es amplio y que tienen un integrante muy joven y uno
bastante mayor. En este mismo video podemos apreciar al Papa Emeritus II sin maquillaje
y lentes oscuros, sólo para darnos cuenta de que la principal diferencia entre
el oscuro pontífice y su sucesor, es que éste además utiliza una máscara.
Pero sus seguidores no se han quedado de brazos cruzados y
han puesto manos a la obra para tratar de desenmascarar al representante del
Anticristo en la Tierra, llegando a la conclusión de que se trata del polifacético
Tobias Forge, vocalista de bandas tan dispares como Repugnant y Subdivision. El
parecido entre la parte vocal de esta última y la voz principal en Ghost es
verdaderamente asombroso, sin embargo, no se sabe con exactitud si Forge está o
no detrás de la máscara del Papa Emeritus II. Hay un dato extra que podría
confirmar el vínculo entre los dos personajes y es que todas las canciones de
Ghost están firmadas por “A Ghoul Writer”, al igual que algunas composiciones
de Subdivision.
Nadie ha podido esclarecer la identidad de los integrantes
de Ghost. Pero ¿De verdad importa? Según los miembros de la banda (opinión que
comparte el que escribe esta entrada), no tiene ninguna relevancia. El hecho de
tener una banda sin ninguna cara visible ni un nombre al cual darle el crédito
artístico, sólo hace más interesante el concepto, además de evitarnos los
bochornosos pleitos por protagonismo o repartición de bienes que aquejan a
tantas figuras de la escena musical.
Es cierto que los alter-egos secretos no son nada nuevo en
la música. Ya en 1962 existía ? and The Mysterians, cuyo excéntrico vocalista
afirmaba venir de otro planeta y nunca se le veía en público sin gafas de sol.
La banda canadiense Klaatu también gustaba de jugar al anonimato y durante
mucho tiempo se pensó que eran un proyecto alterno de los miembros de The
Beatles. Y para rematar, tenemos el ejemplo de Kiss, cuyos rostros no fueron
conocidos hasta 1983, cuando el grupo ya no era relevante en la escena musical.
Quizá tengamos que esperar hasta que Ghost se separe para saber quién se escondía
detrás de las máscaras, lo cierto, es que en ese momento, se desvanecerá gran
parte de la magia.
El ascenso
Si bien hoy en día es relativamente sencillo encontrar todo
tipo de videos y fotografías de Ghost en Internet, lo cierto es que en un
principio eran una banda cuyo rastro era difícil de seguir. Dado que su música no es muy
comercial (a pesar de lo que digan sus detractores), era prácticamente
imposible promocionar a Ghost por el radio o la televisión, así que la banda
utilizó el único medio importante que estaba a su disposición: el Internet.
No fueron las revistas y programas musicales las que le
presentaron a Ghost al gran público, sino el público el que pidió
insistentemente a las revistas que comentaran
el material de los suecos, pasando de la noche a la mañana de un grupo de
desconocidos enmascarados a la nueva sensación del metal.
Su primer producción llegó a oídos de músicos afianzados en
la escena del metal como Phil Anselmo (vocalista de Pantera), James Hetfield (frontman
de Metallica) y Dave Grohl (vocalista de Foo Fighters, ex baterista de Nirvana
y amigo de medio mundo), lo que les dio cierta proyección y les ayudó a llegar
a escenarios cada vez más grandes. En el 2013 lograron salir de gira como
teloneros de verdaderos monstruos del metal como Slayer y Iron Maiden, logrando
que su concepto se extendiera por todas partes.
Incluso el canal de YouTube de Noisey, la división musical
de la revista Vice lanzó una mini-serie documental llamada Papaganda, donde la
banda contesta a diversas preguntas y nos muestra un poco del backstage de la
gira Infestissumam.
Además de lo anterior, la banda tiene un interesante manejo
de redes sociales, con publicaciones escritas desde sus personajes, en las
cuales llaman a sus seguidores "children" y les informan de las próximas tocadas
o agradecen la asistencia del público a las mismas, todo sin perder el estilo
que les caracteriza.
No todo es miel sobre hojuelas
Desde el lanzamiento de su primer trabajo, Ghost se ha topado
con reacciones encontradas del público metalero. Mientras unos alaban su
originalidad y talento, otros se les van a la yugular y exclaman que son una copia
de Blue Öyster Cult o Mercyful Faith. Otros más, los tratan de farsantes o
estrellas pop, y algunos dicen que al ver a la banda esperaban escuchar una voz
gutural y no un coro limpio y melódico. Ghost es una de esas bandas que sólo
puedes amar u odiar, mas nunca te serán indiferentes.
Las leyes y la censura también han perseguido a la banda, principalmente
en Estados Unidos. En este país tuvieron que registrar el nombre de la banda
como Ghost B.C. (Before Christ), pues ya existía un grupo que ostentaba el
mismo nombre. El resultado es que los suecos aparecen anunciados continuamente
como Ghost B.C. por motivos legales, hecho que tiene muy poco contentos a los
ghouls y repiten en entrevistas que lo cambiarán en cuanto les sea posible.
Además del contenido de sus letras y el material explícito
de sus videoclips, las tiendas departamentales consideran que el arte de los discos
de Ghost puede ofender a sus consumidores y se han negado a distribuir el
material en sus anaqueles. Cuando se publicó el videoclip de Year Zero en el
portal de videos YouTube, la compañía retiró ambas versiones (la explícita y la
censurada) por considerar que violaba sus términos de uso. Todo esto sumado a
la negativa de varias estaciones de radio de transmitir sus canciones al aire,
han limitado un poco la distribución del material de Ghost.
Curiosamente, la banda no había tenido problemas con ninguna
religión, ni siquiera la católica, hasta que el restaurante Kuma’s Corner
sirvió una hamburguesa llamada The Ghost en honor al grupo, la cual estaba decorada
con vino de consagrar y una hostia (este última sin consagrar, por supuesto).
Las reacciones no se hicieron esperar y la comunidad católica de Chicago se
mostró ofendida por este peculiar platillo.
Gran Finale
En conclusión, Ghost es
una de las bandas más interesantes que nos dejó el 2010 y esperamos ver mucho
más de su interesante propuesta en los próximos años. Un servidor experimentó
su“momento Marvin Berry” cuando escuchó esta banda por primera vez (está bien,
fue la segunda) y por eso es la elegida para apadrinar el solemne renacimiento
de este blog.
Que el señor de las tinieblas esté con ustedes y los bañe
con la gracia de Lucifer. nemA
Este blog pretende profundizar en la historia de algunas bandas, álbumes y canciones que, en mi opinión, necesitan una revisión más exhaustiva. Si crees que hay una banda o disco que cumpla con estas características, puedes dejar tus sugerencias en los comentarios.
